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venerdì 28 aprile 2017

giovedì 27 aprile 2017

The Pit Tips

Francesco Scarci

Netra - Ingrats
Violet Cold - Anomie
Valkiria - 20th Anniversary: Visions Of Lost Souls / Kelthanir

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Michele Montanari

Indivia - Horta
Cornea - Kingdom
Flag of Estonia - Flag of Estonia

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Don Anelli

Infernal Angels - Ars Goetia
Aborted Fetus - The Divine Art of Torture
Rebel Souls - The Forces of Darkness

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Kent

Jay Munly - Munly & The Lee Lewis Harlots
Kevin Hufnagel - The Protected Shards
Sagramon - Terra Subterrana

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HeinricH della Mora

Ulver - Messe
Solstafir - Otta
Baustelle - L'amore e la Violenza

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Martín Álvarez Cirillo

Reverend Bizarre - In The Rectory of the Bizarre Reverend
Seremonia - Pahuuden Äänet
Martha and The Vandellas - Dance Party


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Five_Nails


Burzum - Fallen
Satyricon - Nemesis Divina
Animals as Leader - The Joy of Motion

Karma Zero - Monster

#PER CHI AMA: Deathcore/Hardcore
I Karma Zero sono una band francese attiva dal 2008 che ci presenta questo loro secondo lavoro, 'Monsters'. Trattasi di un concept album che propone un interessante parallelismo tra saghe horror e corrispettivi incubi socio-metropolitani del mondo di oggi. A livello tematico direi che l’esperimento è interessante, pur non riscontrando nei testi dei brani un’effettiva analisi profonda del malessere dell’uomo di oggi, cosa che mi sarei aspettato di trovare. O che forse speravo di trovare. Il contesto sonoro in cui la compagine transalpina si muove è quello dell’hardcore-deathcore. Troviamo quindi ritmiche granitiche alternate a sparatissimi riff scavezzacollo (a tratti esaltanti) con voce raschiata e straziata come gli stilemi del genere prevedono. Muovendosi su tali coordinate, il rischio di diventare troppo monolitici e quindi di annoiare è però dietro l’angolo. Tuttavia, i nostri riescono a superare questo limite del “-core” producendo un album invero piacevole, piuttosto cangiante e assolutamente brioso. In primis, attribuirei il merito alle vocals, davvero fiore all’occhiello soprattutto nella modalità harsh magnificamente distorta, che davvero istiga alla violenza e brilla per tutta la durata del lavoro. Le metriche del cantato sono ortodosse rispetto alla consuetudine HC-deathcore ma l’elaborazione/effettazione del suono le rende preziose. La doppia voce (main e quella del chitarrista) mantiene efficacemente viva l’attenzione, anche con variazioni significative. Vedasi ad esempio la title-track, dove un refrain melodico (ma assolutamente non stucchevole) spezza la tensione, pur mantenendo assolutamente brutale il tutto. A livello chitarristico vorrei menzionare la traccia “Horror”: in essa il riff riesce ad essere devastante ma velatamente intimista, cosa che dà alla canzone una profondità ed un’atmosfera che ho particolarmente apprezzato. Buona e coinvolgente la registrazione, seppur avrei personalmente messo più in rilievo le chitarre. La band propone anche la sua versione di "Blind" dei Korn, brano che probabilmente i nostri utilizzano nei live acts per scaldare l’audience. Non male, ma nel complesso superflua. Sugli scudi invece “Trapped”, devastante e paradigmatica del brand-Karma Zero! (HeinricH Della Mora)

Obitus - Slaves of the Vast Machines

#PER CHI AMA: Black Metal, Deathspell Omega, Anaal Nathrakh
Hypnotic Dirge Records atto terzo: in poco meno di un mese ho recensito il ritorno dei Netra, il debutto dei None e ora mi ritrovo fra le mani il comeback discografico degli svedesi Obitus, che arriva a distanza di ben otto anni dal precedente 'March of the Drones' e addirittura a 17 dalla fondazione della band. Se la sono presa con calma i due loschi figuri di Gotheburg: 'Slaves of the Vast Machines' esce per l'etichetta canadese, qui supportata dall'americana Black Plague Records, in un clima di guerra, proponendo un irruente e schizofrenico black metal che ben si riflette nell'unica lunghissima traccia contenuta nel disco. La furia belluina è tradotta in ritmiche assassine, caratterizzate da una violenza cataclismatica anzi, visti i tempi, direi apocalittica. C'è ben poco da scherzare con questi musicisti svedesi che dalla tradizione musicale del loro paese non pescano granché, se non quella nera fuliggine dei Dark Funeral. La musica dei nostri sembra infatti un ipotetico ibrido tra il sound malsano ed esacerbato dei Deathspell Omega miscelato con le ritmiche infernali del post black americano, anche se ammetto di averci sentito un che dei primi Aborym al suo interno, qualcosa in fatto di velocità disumane degli Anaal Nathrakh e un po' di malvagità di scuola Mayhem. Le istruzioni per l'uso e consumo di questo disco devono esser chiare fin dai primi minuti di devastazione totale intessuti dalla band scandinava. I primi dieci minuti sono infatti affidati a ritmiche affilatissime che ben poco spazio lasciano alla melodia e al ragionamento; una prima pausa la si riesce a fare tra l'undicesimo e il quattordicesimo minuto, ma è chiaro che è solo un modo per condurre l'ascoltatore sul precipizio del burrone e spingerlo di sotto senza alcuna pietà. E la promessa è certamente mantenuta in quanto l'act svedese, da li a breve, si riaffiderà a ritmiche serrate, blast beat psicotici e screaming vocals iraconde. Splendido il mood glaciale che si respira grazie a quelle chitarre affilate come rasoi a tessere maestosi riff nordici. Un secondo break tra il 18esimo e il 19esimo minuto, serve più che altro per salvaguardare la salute mentale di chi ascolta e poi giù di nuovo a picchiare come dei fabbri con chitarre tra lo zanzaroso e il tremolante, un drumming che corre a velocità forsennate e le vocals lacerate e raggelanti, per un risultato che, pur non aggiungendo nulla di nuovo al genere, dà comunque modo di rivedere il concetto di velocità all'iperuranio, urla lancinanti e atmosfere diaboliche. Questi sono gli Obitus del 2017, non so quando avremo modo di riascoltarli con un nuovo album, fate quindi buon uso di 'Slaves of the Vast Machines', usando comunque tutte le precauzioni del caso, rischia di essere letale. (Francesco Scarci)

(Black Plague Records/Hypnotic Dirge Records - 2017)
Voto: 70

https://hypnoticdirgerecords.bandcamp.com/album/slaves-of-the-vast-machine

lunedì 24 aprile 2017

Eyes Wide Shot - Back From Hell

#PER CHI AMA: Alternative Rock, Lostprophets, Papa Roach
Eyes Wide Shot, ovvero come una band francese (proveniente dalla regione della Lorena) riesce ad attingere dal grande maestro del cinema Kubrick. Dietro questo nome troviamo quattro musicisti che si sono incontrati nel 2012 e l'anno successivo hanno dato alla luce il loro primo EP che gli ha permesso di essere notati dal produttore dei Falling In Reverse. Capirete quindi come questo 'Back From Hell', vero debutto della band, possa avere una produzione da non sottovalutare, essendo stato registrato a Los Angeles e poi seguito dall'agenzia francese Dooweet Agency. Iniziando dal packaging, questo è un jewel case dalla grafica accattivante, un tripudio di schizzi di colore in una stanza, che vede il frontman Florent accasciato mentre rigurgita un fiume di liquido multicolore. Le quattro facciate dell'artwork mostrano gli altri elementi della band ricoperti a loro volta di colore, una trovata interessante che non permette di capire cosa si ascolterà in seguito. Le tracce inserite sono dieci per un totale di trentasette minuti e si articolano tra alternative rock/post-hardcore/emo che ci riportano alla mente band come i Lostprophets, Hoobastank e Papa Roach. Come detto, l'investimento è elevato e lo si capisce subito da "Waiting in Vain", prima traccia dell'album. I suoni sono perfettamente in linea con il genere, dal taglio moderno e accattivante, cosi come la composizione che rispecchia molto (pure troppo) la produzione delle band che hanno aperto i cancelli a questo brand. Le ritmiche sono incalzanti, precise e veloci, la grancassa buca il mix come un missile terra-aria mentre i riff di chitarra si avvicendano con stop&go a profusione e utilizzo del killswitch. Una nota di merito al cantante che si destreggia bene sfruttando la sua timbrica squillante e aggiungendo passaggi screamo che aumentano l'impatto sonoro del brano. "My Redemption" segue la stessa strada, con innesti elettronici sia ritmici che melodici che svecchiano il brano, caratterizzato poi da molteplici intrecci vocali, cambi di ritmo e giri armonici che renderanno felici anche quei metallari più ligi alla tradizione. La seconda metà della song cresce e porta l'ascoltatore verso la conclusione con un certo senso di soddisfazione. La title track inizia in sordina con la voce che si libera su una breve intro di drum machine per poi esplodere come di consueto, ma in chiave più rilassata, come fosse una sorta di ballata post moderna simil 40 Seconds to Mars. Un buon album quindi: i nostri amici francesi hanno saputo prendere il meglio del genere ed interpretarlo con perizia e impegno facendosi apprezzare per gli innesti elettronici e le doti dei singoli musicisti che di sicuro non potranno essere accusati di essersi rilassati sugli allori di una produzione ad alto budget. (Michele Montanari)

Rossometile - Alchemica

#PER CHI AMA: Gothic Rock, Nightwish, Lacuna Coil
La band di oggi arriva (con notevole ritardo) da Salerno: si tratta dei Rossometile e l’album in questione è il loro ultimo lavoro in studio, 'Alchemica', ormai datato 2015. Trattasi di un disco prevalentemente hard rock con delle pesanti influenze gotiche e pop-melodiche, senza farsi mancare nemmeno qualche sprazzo progressive. Ciò è il risultato dei diversi cambiamenti di direzione musicale intrapresi nel tempo dalla band, attiva sin dal 1997. Con l’ingresso in line-up della cantante Marialisa Pergolesi e grazie alla sua soave voce, i Rossometile sembrano essersi stabilizzati su questo gothic-rock di 'Alchemica', senza abbandonare comunque le sonorità pop che caratterizzavano i precedenti lavori, 'Tirrenica' e 'Plusvalenze'. Il risultato è un richiamo a certi mostri sacri come i primi Nightwish o i nostrani Lacuna Coil, certo un po’ meno aggressivi e senza grandi artifizi sinfonici. Qualche sfumatura dai toni più pesanti la si avverte nel brano “Le Ali Del Falco”, che con i pregevoli assoli di Rosario Runes Reina, contribuisce ad aumentare il tiro dell’album. Il lavoro dei Rossometile è sicuramente impreziosito dalle vocals di Marialisa, che si destreggia egregiamente anche su registri quasi lirici inseriti nei pezzi (cito ad esempio “Nel Solstizio d’Inverno” ). Le liriche sono tutte cantate in italiano, quasi insolito in questo contesto, molto rischioso più che altro. La band salernitana tuttavia, riesce nell’intento di non cadere nella banalità dei testi, proponendo anche qualche passaggio davvero ispirato, focalizzandosi su temi introspettivi e di interiorità complesse. Quest’ultimo lavoro dei Rossometile è un disco adatto a chi predilige sonorità più leggere, con le componenti melodiche e pop-eggianti che sovrastano spesso e volentieri quelle più dure: l’album scivola via avvolgendosi nelle sue atmosfere gotiche, senza intoppi ma senza nemmeno lasciare un segno particolarmente evidente. (Emanuele "Norum" Marchesoni)

sabato 22 aprile 2017

Path of Desolation - Where The Grass Withers

#PER CHI AMA: Melo Death, Dark Tranquillity
Although theirs sounds more like a monicker for a doom or a depressive black metal band, the guys of Path of Desolation are far from those styles. Coming from the Swiss city of Lausana, this melodeath quintet (at least, they were a quintet when they recorded this album) has been playing since 2013, and they had their first studio experience with their 2014 EP 'Soaked Jester'. 'Where The Grass Withers' is their first LP, and is a more than a decent demonstration of melodic death metal, in the vein of Dark Tranquillity, with their heavy use of synths although lacking the clean vocals. The album shows all the other elements that we’ve come to associate with this genre, like the Maiden-esque riffs mixed with more thrashy ones, nice acoustic guitars and the use of more traditional song structures. Everything is in the proper place, and the band shows that they’ve have studied every trick known in the “Gothemburg’s Guide To How To Melodeath”. The problems with the album start to show when you play it in full a couple of times. For example, the production lacks some strength, sounding clean and nice but kind of generic, and although there isn’t any truly bad song, it’s hard to point out real standouts. Nevertheless, this isn’t really a tedious album: singer David Genillard delivers great death growls and there are a couple of nice moments in this album, like the opening “The Crown and the Empty Hall”, the piano in “The Hunting Prey”, the featuring of Anna Murphy (ex member of fellow Swiss folkmetallers Eluveitie) in “The Uninvited” or the mixing of acoustic guitars and electric guitar melodies in “Exit Nightmares”, a nice closer for the album. But this is an album that prefers to use what it’s already known to success than trying to capitalize in its unique traits, which isn’t really a bad thing: we all like to watch action or horror movies, even if there are a lot of storytelling tropes that we’ve seen a hundred times and maybe more. But sometimes the repetition of elements will only appeal to fans of that particular genre, as it’s the case with the debut LP from this Swiss band. Having said that, Path of Desolation have the potential to release truly great albums if they manage to develop their strengths, which they’ve, and find a sound that they could call their own. (Martin Alvarez Cirillo)

(Self - 2016)
Score: 65

venerdì 21 aprile 2017

Swans - The Glowing Man

#PER CHI AMA: Post Rock/Folk
Una duplice apostatica invocazione (“preghiera”, la chiama Michael Gira), stigmatizzante i tumori sociali: la droga e la morte come soluzione ("Frankie M"), l'abuso (sessuale) e la sua ossessiva ricorrenza ("When Will I Return?"), fino a profetizzare una sorta di apocalisse della civiltà, scorticata ("The World Looks Red / The World Looks Black"), onirica ("People Like Us"), cangiante ("Finally, Peace"). Sparute evanescenze soniche ("The World Looks Red / The World Looks Black" è una sorta di re-cover dei Sonic Youth di "Thurston Moore", già occasionalmente militante nei Swans inizio carriera), post rock (le black-heart-dissonanze di "People Like Us"), aural-folk ("Finally, Peace"). Panorami musicali circolari. A lungo termine, una progressiva aggregazione sonora, ma anche lirica, per generare, alimentare e sublimare tensione emotiva: le tre monstre-track "Cloud of Unknowing", "The Glowing Man" e "Frankie M", settantacinque minuti in tutto, potranno ricondurvi dalle parti del Von Trier inizio novanta. Fascinazione, empatia, minimalismo, epica, auto indulgenza, ipnosi, (dis)soluzione finale. 'The Seer', 'To be Kind', 'The Glowing Man'. Tre album tripli in quattro anni, sei ore complessive, un unico profetico, ossequioso, scintillante, monumentale opus sonoro. Prendere o lasciare. (Alberto Calorosi)

(Young God Records - 2016)
Voto: 85

https://swans.bandcamp.com/album/the-glowing-man

giovedì 20 aprile 2017

The Chasing Monster - Tales

#PER CHI AMA: Post Rock, If These Trees Could Talk
Non mi capita spesso che un album colpisca la mia attenzione esclusivamente per la sua copertina: in questo caso però, essendo un appassionato di astronomia, non potevo non rimanere affascinato dalla cover dei The Chasing Monster, che vede la silhouette di due persone con uno splendido cielo stellato in background, peraltro con colori viranti ad una tonalità arancione per l'uscita digitale e verde-blu per il cd. Ma veniamo ad analizzare gli aspetti più contenutistici che puramente estetici. 'Tales' rappresenta il disco di debutto dei The Chasing Monster, quintetto di Viterbo che narra qui la storia di Emm e Oliver all'alba del loro ultimo giorno sulla Terra, attraverso sette gemme dedite ad un sognante post-rock. Chi siano i due personaggi non mi è dato di saperlo, però la passione del combo italico per sonorità criptiche e decadenti, si palesa immediatamente nell'opener "Itai", che ci consegna un suono cristallino, un must per questo genere. La song, interamente strumentale, lascia trasparire tutta la vena malinconica che imperversa nelle note dei quattro laziali con suoni dilatati e nostalgici, una sorta di colonna sonora per quando il nostro sguardo volge verso un panorama all'orizzonte ma in verità non lo sta realmente guardando, è da tutt'altra parte, raccolto con i suoi pensieri. E questo sarà il filo conduttore di un disco che cresce attimo dopo attimo, si gonfia, innescando un caleidoscopico ventaglio di emozioni. Lo si evince dalla successiva traccia, "The Porcupine Dilemma", una song che, oltre ad affidarsi a delle interlocutorie spoken words, con i suoi arpeggi va salendo d'intensità, e in modo inversamente proporzionale, la sua elettricità va dirigendosi verso un mood più disperato, provando a trascinarci in un vortice emozionale in bilico tra il depressive e il post rock (alla fine si rivelerà la mia song preferita). Solo il parlato conclusivo ci salva da una commovente esplosione di lacrime. "The Girl Who Travelled the World" affida il suo incedere alla narrazione di una voce femminile - chissà se si tratti proprio della ragazza che ha viaggiato per il mondo e chissà se quella ragazza è Emm, - a chitarre tremolanti e ad un drumming lento, a tratti tribale, in un mix tra post rock e shoegaze che, seppur in una forma molto (ma molto) più leggera, mi ha evocato addirittura sentori proveniente da 'Brave Murder Day' dei Katatonia. La narrazione, questa volta maschile, prosegue in "Albatross", un pezzo in cui il ruolo di protagonista accanto alla chitarra, è assunto da una batteria profonda che scandisce il tempo del brulicare dei nostri pensieri, ma che apre prima ad un etereo cantato e poi ad un bell'urlaccio, in grado di innescare un riffing più pesante, orientato al post-hardcore (retaggio degli esordi della band), permettendo poi al sound di aumentare il proprio vigore energetico. "La Costante" è un breve brano strumentale che vede comparire come guest star alla chitarra, Theodore Freidolph degli inglesi Acres, nell'ennesima scalata emozionale di quest'intrigante 'Tales', la cui edizione digitale ingloba peraltro i dialoghi completi tra i due protagonisti. "Creature" affida il suo flusso emotivo al basso e poi alla voce femminile, con il tremolo picking in sottofondo che va ad armonizzarsi successivamente e offrendo calde melodie avvolgenti, pregne ovviamente di quella malinconia che preannuncia l'arrivo consapevole della parola fine, la fine di un amore, di un'amicizia, di una vita, non lo so. Quel che è certo è che quella consapevolezza sembra conferire una certa serenità che con "Today, Our Last Day on Earth" va a concretizzarsi attraverso un ultimo malinconico atto, l'ultima parola, l'ultima carezza, un ultimo sorriso, "l'ultimo addio come la fine di un viaggio", esaltando definitivamente la prova di questi cinque musicisti di casa nostra, pronti a prendere il volo come l'albatro da loro narrato. Bravi, bravi davvero. (Francesco Scarci)

mercoledì 19 aprile 2017

Trollband – In the Shadow of a Mountain

#PER CHI AMA: Pagan Black/Folk, Wardruna, Otyg, primi Vintersorg
Senza togliere nulla al lavoro più recente dei Trollband, datato 2013, ritengo che l'ispirazione che ha portato alla creazione del loro primo full-length, sia di quelle folgoranti, che non capitano sempre nella carriera di un artista. Di quest'album se ne è già parlato a suo tempo, quando uscì nel 2011, e oggi vede la luce in ristampa tramite la Vegvisir Distribution, che saggiamente ha pensato di rimetterlo sul mercato per non farlo finire nel dimenticatoio. Infatti, questo disco merita molto rispetto, perché pieno zeppo di riferimenti cari a generi come il pagan metal, il folk metal, il black metal sinfonico e, il suo carattere istrionico all'interno di queste vesti del metal estremo, lo rendono originale e dinamitardo. Seppur ovviamente derivativo dal sound di band più blasonate, bisogna ammettere che di personalità questo pugno di canzoni ne ha da vendere e su tutte spunta il fatto che l'album si faccia ascoltare senza remore né lacune, in un continuo sorprendere l'ascoltatore con il suo profilo cinematografico, ideale per essere la colonna sonora per un documentario sui vichinghi. Lo scambio tra strumenti moderni, melodie e suoni antichi rappresenta un'apoteosi mistica (da ascoltare la title track "In the Shadow of a Mountain" degna dei Wardruna). L'atmosfera è quella sciamanica della divina Hagalaz Runedance: ancestrali leggende senza tempo si fondono con la ferocia di un tipico combo black metal (complice una voce affascinante e maligna) quando c'è da far tremare le menti assopite del mondo moderno e farle tornare ad un passato crudo e violento ("Heathen Blood") con il tutto che rimanda ai bei momenti dei Forsth, degli Otyg, dei Waylander o di Vintersorg della prima maniera. Nel loro sound c'è spazio per alcune forme di classic metal ed è una cosa che si sposa perfettamente con la componente black più veloce e guerriera, i brani sono molto variegati e niente è lasciato al caso, ben curate le ariose parti di tastiera e le suite folk pensate alla perfezione e ben suonate ("We Live"), con la voce narrante e un suono generalmente grezzo ma avvolgente e stranamente caldo, che risultano centratissimi. La copertina è perfetta per il loro stile mitologico e fantastico, bisogna poi sottolineare che a dispetto della comunanza del genere, la band canadese non ha nulla a che vedere con il sound festaiolo e alcolico dei Korpiklaani (senza nulla togliere al mito della band finlandese) ma vive di musicalità più introspettiva e sinistra. Riascoltato a distanza di qualche anno, quest'album suscita ancora tante arcaiche emozioni offrendo una proposta variegata e assai valida nel vasto ed inflazionato mondo del folk metal mondiale. Ascolto consigliato. (Bob Stoner)

Holocausto - War Metal Massacre

#FOR FANS OF: Black/Thrash, Sarcofago, early Sepultura, Sodom
In the eighties, Brazilian metal had a lot of provocative bands, but Holocausto was for sure the one that stood out the most in that area. With their constant references to the Nazi regime in their image and lyrics, it didn’t take long for them to be accused of being nazis, even if they expressed that they only adopted those symbols to express the horror of the Holocaust. And their music was as extreme as their image, because 'Campo de Extermínio' ('Extermination Camp'), their debut from 1987, still sounds as brutal and violent as it was at that time, with their sloppy technique, their blastbeats, monstrous vocals, and simple but effective thrashy riffs.

This period of rawness ended up being a little short-lived, as Holocausto decided to start changing their sound in their follow-up 'Blocked Minds', where they left the nazi image and Portuguese lyrics, and adopted a crossover thrash sound in the vein of Suicidal Tendencies. The following albums saw Holocausto with the same approach to songwriting as fellow Brazilian bands Sepultura and Sarcófago, never releasing the same album twice and experimenting with more technical riffs and some industrial and noise influences, but unlike those bands Holocausto never managed to capture the same impact of their debut. Internal turbulences and a constant change of members didn’t helped, and they split-up at some time in the mid nineties. Although they reunited in 2005 to record the hardcore-tinged 'De Volta Ao Front' ('Back to the Front'), they didn’t do a lot more.

That is why 'War Metal Massacre' is so welcome as an addition to Holocausto’s discography. With all the members that recorded 'Campo de Extermínio', with the exception of the drummer Armando Sampaio, and a cover that reminds of the one in that album, the intention is very clear and simple: they want to go back to their roots.

The most interesting part of this six-song EP is in the last three songs, the ones that Holocausto composed for this release. It’s complicated to talk about them individually because there isn’t much difference between them, but what they don’t have in variations is compensated with an incredible display of force: “Eu Sou a Guerra” (“I Am the War”), “Corpo Seco / Mão Morta” (“Dry Body / Dead Hand”) and “War Metal Massacre” show Holocausto going back where they feel like a fish in the water, with blastbeats, punchy riffs and lyrics about the horrors of war. Sometimes they sound like 'Obsessed By Cruelty'-era Sodom, but with much better sound. If sometimes critics have used terms like “war metal” and “noise metal” to describe Holocausto’s style, this are songs thet justify those claims.

“Massacre”, “Destruição Nuclear” (“Nuclear Destruction”), and “Escarro Napalm” (“Napalm Sputum”), the three other tracks from this EP, are re-recordings of songs that the band released in their first years. And here they’re present in their best versions: even if there aren’t a lot of changes, with the exception of a short rainy “Black Sabbath”-like intro, the musicians playing them, have improved their technique and the better quality sounds manages to make that the rhythms of Nedson “Warfare” Conde, who was the first drummer of Holocausto, sound as violent as they’ve to be. To “go back to their roots” is something that not a lot of bands manage to do, because a lot of times they end up sounding like tired versions of what they used to be. But with “War Metal Massacre” these Brazilians manage to combine the search into the band’s origins with the experience they’ve gained along these years. I don’t know if a lot of people were expecting new material by Holocausto, but it’s a great surprise nonetheless. There isn’t a single bit of filler in 22 minutes of music, and it’s a perfect comeback for a band that deserved a lot better. Will they manage to get that with the release of an LP? We’ll only have to wait. (Martín Álvarez Cirillo)

(Nuclear War Now! Productions - 2017)
Score: 80

https://nuclearwarnowproductions.bandcamp.com/album/war-metal-massacre

martedì 18 aprile 2017

Infernal Angels - Ars Goetia

#FOR FANS OF: Black, Dark Funeral, Mgła, Belphegor
Italian melodic black metallers Infernal Angels feature plenty of glimpses of pure aggression that are blended into parts of mournful, disturbing sonic extremity with sudden melodic grafts throughout here which produces a fine Scandinavian angle to the music. The album is based mostly on tight, ferocious tremolo riffing that produces a strong, thunderous base for the rest of the music to offer the frantic tempos and patterns featured throughout here. Generating plenty of intensity with the blistering drumming while remaining firmly aware of the tight, frantic buzzing melodies blazing alongside the raging music featured here, and overall there’s a solid amount of work displayed here that makes for a wholly enjoyable time. The one main problem with this one arrives in the fact that there’s just not a whole lot of deviation in the music which has a ton of opportunities to express any kind of variance here yet it doesn’t really offer that here. It’s all pretty much the same general buzzing tremolo melodies and rather tight, same-sounding rhythms for the most part, and that does tend to lower the impact of the album when it’s almost impossible to figure out where on the album you are. Still, the tracks here aren’t all that bad here. Once this gets past intro ‘Amdusias: The Sound of Hell,’ there’s quite a lot to like here as ‘Vine: Destroyer of the World,’ ‘Purson: Matter and Spirit’ and ‘Bael: The Fire Devour Their Flesh’ feature these in rather impressive, explosive manners. As well, ‘Asmoday: The Impure Archangel’ and ‘Paimon: The Secret of Mind’ drop a lot of the intensity and go for more mid-tempo melodies to really give this a bit of variation. Still, that doesn’t detract from the main flaw in this one. (Don Anelli)

(My Kingdom Music - 2017)
Score: 80

https://infernalangels.bandcamp.com/

lunedì 17 aprile 2017

Raptor King - Dinocalypse

#PER CHI AMA: Metalcore/Math
C’è chi costruisce elaborati concept album per raccontare serissime vicende personali, viaggi fantascientifici o futuri distopici. E poi ci sono i Raptor King, che si presentano con un packaging imbarazzante, un video in cui un tizio vestito da dinosauro con gli occhiali da sole viene in faccia ad una sosia di Rey dall’ultimo 'Guerre Stellari' ed una storia quanto mai improbabile e ridicola. In questo secondo EP 'Dinocalypse', si racconta di King Raptor V, un dinosauro potentissimo e senza rivali, che governava il mondo 74 miliardi di anni fa. Grazie ad un portale interdimensionale, King Raptor V viaggia nel tempo e arriva nella periferia parigina nel 2015. Assolda due improbabili scagnozzi (il chitarrista illusionista Nightsmoke e il batterista Don Coco) e decide di conquistare il nostro mondo fondando una band: i Raptor King appunto. Musicalmente parlando, siamo di fronte ad un frullato di generi e stili difficilissimo da catalogare. L’opening è affidata alla title track “Dinocalypse”, un assalto deathcore di casse e rullanti, su cui un basso tossico e le chitarre in palm-mute, costruiscono un groove intricato sullo stile dei The Dillinger Escape Plan. Pregevole il lavoro alla voce, gorgogliante e brutale. Cala la luce in “The Witch”, guidata da un riffing lento e oscuro, sabbathiano, quasi doom in certi versi, capace però di inaspettate aperture in blast-beat e accelerazioni metalcore. Sulla successiva “The Long Way To Rock (Pom Pom Pom Pom Pom)” non potrete non muovere la testa: un mid-tempo perfetto e un groove contagioso a cavallo tra rock e metal fanno da tessuto ad una canzone in grado di dare spazio alle capacità tecniche di ciascun membro. “Fight’n’Roll” accelera nelle corde di un metal più contemporaneo, violento e potente, dove King Raptor urla come un punk fatto di adrenalina, ma si ammorbidisce sui ritornelli più catchy. Chiude “Lonesome Raptor”: un blues lento e malato, melodicamente impeccabile, con una voce rauca che ricorda Tom Waits. Un lavoro talmente eterogeneo e sconnesso da spaventare, ancor di più se consideriamo l’assurda ironia dei testi e dell’intero concept. Ma i Raptor King sanno suonare, eccome: se cercate un approccio competente ma ridicolo al metalcore contemporaneo, questo gruppo fa per voi. (Stefano Torregrossa)

(Self - 2017)
Voto: 65

http://www.raptorkingrocks.com/

Sekhmet - Spiritual Eclipse

#PER CHI AMA: Black/Death, Unanimated
Sembra che i cechi Sekhmet abbiano dovuto tribolare un pochino per il rilascio del loro ultimo 'Spiritual Eclipse', a quanto pare per vicissitudini legate alla registrazione. Sono dettagli che comunque non inficiano il risultato finale di quest'uscita, la quinta sulla lunga distanza da parte del quintetto di Děčín, in una discografia che include anche sei split. Concentriamoci però su quest'ultimo lavoro che ha da offrire il proprio inno a Satana attraverso otto (+ intro) tracce devote ad un black metal ferale, ispirato e melodico. Con "Religious Infection" entriamo nel mondo di questi guerrieri votati ad un sound maligno di derivazione scandinava che si muove tra accelerazioni nevrotiche, blast beat, screaming vocals davvero convincenti (sebbene l'arrivo di un nuovo vocalist, che ben si è inserito nella formazione ceca), supportate da più rari ed epici vocalizzi. Inusuale il lavoro dietro le pelli (una piacevole costante del disco) nella esplosiva "The Greatest Deception", song dall'incedere belligerante che si muove su pattern ritmici che li avvicinano piuttosto al suono di una contraerea, pur non disdegnando sprazzi di melodia, rallentamenti funesti e udite udite, anche un brevissimo assolo. "Enforced Discipline" sembra uscita da un disco black'n roll dei Darkthrone grazie a quella sua vena punk contrappuntata da un drumming bello tirato, chitarre assai corrosive e le arcigne vocals del frontman Agares a disseminare il proprio odio. È ancora una volta il lavoro affidato alle asce (in tremolo picking nel finale) a garantire momenti di goduria con un altro assolo taglia aria. I nostri non sono certo degli sprovveduti e lo si evince nella loro capacità di sciorinare riff deflagranti ("Die for Your God", una song che in alcuni squarci di chitarra mi ha evocato gli Slayer) piuttosto che atmosfere più infernali, come nell'incipit sinfonico di "Fanatical Worship", pezzo mid-tempo dotato di un riffing di scuola svedese (Unanimated) e di magnifiche melodie evocanti anche i primi Dissection. Martellante è "The Doctrine Falls", song selvaggia che evidenzia un bel lavoro al basso ad opera di Mephisto e un dicotomico approccio vocale affidato a vocals epiche e altre disumane. "Death is the Law" rappresenta la summa di 'Spiritual Eclipse', muovendosi in un saliscendi viscerale di accelerazioni black, vocalizzi accostabili ai Mayhem, partiture death, un breve intermezzo elettronico e per concludere, anche un bell'assolo di chitarra che sancisce la consacrazione di una band che vive nell'ombra dell'underground ma che meriterebbe ben altri palcoscenici. Se proprio devo trovare un neo all'album, potrei affermare che il songwriting è ancora migliorabile, ma c'è tempo di nuovi accorgimenti in un nuovo futuro album. Ah dimenticavo, l'ultima song è "Funeral Bitch", cover dei Marduk, riletta in chiave Sekhmet. (Francesco Scarci)

(Werewolf Productions - 2016)
Voto: 70

http://sekhmetczech.bandcamp.com/

venerdì 14 aprile 2017

Tunguska - A Glorious Mess

#PER CHI AMA: Dream Pop/Shoegaze, Sonic Youth
Rugginosità youth-soniche potenziometriche, coniugate a tentazioni indie-pop di ispirazione anni-novanta-vs-beatles ("Scratch Your Name Upon my Skin" vs. "Anywhere but Here"). Gennaro Spaccachitarre si controlla sicuramente le scarpe quando suona la chitarra, e canticchia con modesto cipiglio billycorgan/iano. Il songwriting appare calibrato, ma la produzione riverberante e forse eccessivamente ovattata ammorbidisce e uniforma un po' troppo, nell'umile opinione del sottoscritto. Possibile rilevare i The Cure più chiaroscurali, vale a dire quelli dei primi album, i Sonic Youth meno autoindulgenti, vale a dire quelli di 'Daydream Nation' e 'Sister', i Royal Trux meno digrignanti, vale a dire nessuno. Ma anche certi easy-melodismi iniziottanta alla Orchestral Manoeuvres in the Dark ("Enola Gay" vs. "Everything you Know is Wrong"), anche se risulta evidente che il duo di Forlì non lo ammetterà neanche sotto tortura. (Alberto Calorosi)

Brieg Guerveno - Valgori

#PER CHI AMA: Prog, Opeth, Porcupine Tree
Se cercate nell’ambito folk, è piuttosto facile trovare band che usino il proprio dialetto nei testi. Allargando la ricerca al rock e al metal, il cerchio si stringe a pochi artisti. Tuttavia, è la prima volta che sento cantare in bretone. Il compositore Brieg Gurveno (autore di tutti i testi e le musiche) ha davvero le palle: sia per la capacità di costruire una poetica interessante con una lingua così difficile, sia per il più che discreto lavoro di songwriting e produzione. Il genere di riferimento è quel neo–prog contemporaneo, tinto da colori metal e misurate spruzzate di elettronica; il tutto è orientato ad una composizione malinconica, scura, vagamente epica. Sussurrano gli Opeth — ma scordatevi il growl e le sfuriate di doppia cassa — in certi utilizzi di suoni e alcune scelte melodiche (“En Desped” e “Pedenn”), ma anche quando Brieg Guerveno vira verso l’epico e il death-prog (l’inquietante “An Hizivenn”). È forte anche il richiamo ai primi Porcupine Tree (“Poltred” e la title-track “Valgori”), specie nelle aperture di archi. Sembra di sentire persino degli echi lontani di certi anni ’70, in particolare dei Pink Floyd e dei King Crimson più sperimentali (“Hirnez” o i cori sul finire di “Kelc’h”). Voce e melodia sono sempre squisitamente al centro dell’ascolto: ci sta, considerando che l’autore ha scelto il bretone come lingua. Musicalmente ho sofferto una certa ripetizione dei suoni (strings e synth sono, francamente, gli stessi per tutto il disco) e dei tempi ritmici, pur con la capacità di alzare e abbassare l’asticella dell’emozione per mantenere il lavoro scorrevole nel suo complesso. L’assenza di ogni riferimento all’universo folk rock rende questo lavoro comunque interessante: c’è un sapore quasi medievale nel cantato — antico, incomprensibile e per questo magico — ma il tutto è riletto musicalmente con gusto contemporaneo. L’unico rischio? La noia, per oltre un’ora di melodie trasognanti e tappeti di chitarre e archi. (Stefano Torregrossa)

(Paker Prod - 2016)
Voto: 65

https://briegguerveno.bandcamp.com/

None - S/t

#PER CHI AMA: Cascadian Black Doom
Dei None non so praticamente nulla: zero informazioni sul web, men che meno nel cd, dove addirittura i visi dei due loschi individui della band sono cancellati, niente di niente. Sembrerebbe però che il duo provenga dal versante pacifico degli States ma in tempi cosi stravaganti, dove i Ghost Bath dichiarano di essere cinesi e poi si scopre essere americani, nulla è cosi scontato. Focalizziamoci quindi sulla musica di questa band, un trittico di song uscite sotto l'egida della Hypnotic Dirge Records, poche release ma sempre di grande qualità. La proposta dei nostri offre un sound brumoso, disperato, dilatato nelle sue melodie strazianti; ecco quanto emerge dall'apertura di "Cold", lunga apripista di questo drammatico album di black oscuro, lento, deprimente, che mette in luce la capacità dei nostri di costruire sublimi atmosfere e piazzarci sopra vocals arcigne ma anche vocalizzi più eterei, sebbene essi siano più rari. Importante il lavoro delle tastiere, non cosi appariscente, ma di sicuro effetto nel guidare il rifferama denso e compassato dei due musicisti. Le chitarre, in tremolo picking, sembrano definitivamente suggerire la provenienza dei None ossia dall'area nord ovest degli USA, sottolineando le influenze cascadiane che convogliano nel sound della prima song, ma in generale di tutto il disco, mai caustico o tirato all'estremo. Le melodie dominano e guidano il lento fluire della musica che, abbandonate le decadenti melodie della opener track attraverso un dirompente epilogo post black, sfociano nell'acustica introduzione di "Wither", song che tra un ipnotico riffing burzumiano, strani vocalizzi in background e un avvolgente sound doom, offre quasi nove minuti di suoni per un destino inesorabilmente già scritto. Sono tempi bui per la nostra società e la musica dei None potrebbero candidarsi ad offrire la giusta colonna sonora per un mondo in cui la luce è destinata presto a sparire. Questo si condensa anche nei conclusivi nove minuti di "Suffer", una song dal lento e nichilista avanzare, tra tocchi di batteria a rallentatore, un arpeggio in sottofondo e un bel basso in primo piano che sembra scandire l'avvicinarsi della mezzanotte che segnerà l'inizio della fine. Il finale ambient dipinge cosa è rimasto del mondo... il nulla. (Francesco Scarci)

(Hypnotic Dirge Records - 2017)
Voto: 80

https://hypnoticdirgerecords.bandcamp.com/album/selftitled

mercoledì 12 aprile 2017

Ananda Mida – Anodnatius

#PER CHI AMA: Psych Stoner
Dal nordest italiano all’Asia centrale il passo non è mai stato così breve. Gli Ananda Mida, nascono infatti dall’incontro musicale tra il batterista Max Ear e il chitarrista Matteo Scolaro, che si cementa attorno all’interesse per alcune dimenticate tradizioni mediorientali. 'Anodnatius' è l’album d’esordio del gruppo dopo l’ep 'Aktavas/Passavas', e dovrebbe essere l’espressione del polo positivo dell’inconscio della band, tanto che è già in programma la realizzazione del seguito 'Cathodnatius', nel quale dovrebbero invece confluire le forze negative. Al di là di questioni più o meno filosofiche o metafisiche, la musica racchiusa in questi 40 minuti è uno stoner psych chiaramente debitore al blues rock degli anni '70, che alla potenza e alla “sporcizia” preferisce atmosfere piuttosto sinuose ed eleganti, nel segno di una pulizia stilistica davvero notevole. Il suono degli Ananda Mida deve moltissimo allo straordinario lavoro delle due chitarre (oltre a Scolaro, c’è anche Alessandro Tedesco), davvero sugli scudi per tutta la scaletta, con soluzioni sempre estremamente apprezzabili in termini di timbrica, armonia e gusto. L’album parte subito forte, giocandosi in apertura i numeri migliori, la trascinante "Aktavas" e la morbida "Lunia", alternando poi cose ottime ("Heropas", "Occasion" e in generale i brani in cui emerge maggiormente la componente psichedelica) ad altre riuscite solo a metà (il blues "doorsiano" di "Kondur", "Anulios" o lo strumentale "Passavas", inutilmente prolisso). Un lavoro comunque molto interessante per una band dalle ottime potenzialità, che deve forse ancora focalizzare meglio le proprie inclinazioni. Curioso di ascoltare il prossimo capitolo per scoprire anche il loro lato oscuro. (Mauro Catena)

(Go Down Records - 2016)
Voto: 70

https://anandamidaband.bandcamp.com/releases

lunedì 10 aprile 2017

Things Falling Apart - Blind Hammer, I Miss You Like Nails

#PER CHI AMA: Post Rock strumentale, Amon Düül II, Can, Mogwai
Adoro la gente strana, e i Things Falling Apart fanno senz’altro parte della categoria. Per i dischi precedenti (dal 2012 si contano quattro full, un EP e un disco con live e outtakes) hanno sempre adottato la stessa regola: registrare l’80% del lavoro in una giornata singola, e chiudere i dettagli restanti il giorno seguente. Un’operazione che premiava l’improvvisazione, la capacità tecnica, l’invenzione, il gesto spontaneo e istantaneo, più che il calcolo al tavolino. Per questo 'Blind Hammer I Miss You Like Nails' invece, la band dell'Illinois ha completamente rovesciato il proprio processo: le registrazioni del disco sono iniziate nel 2012 con un piccolo quattro tracce. Il materiale è rimasto lì per quasi un anno, per essere ripreso solo nell’estate del 2014 e processato digitalmente. Un nuovo pezzo è arrivato nel 2015, e gli altri a ruota nel 2016, registrati tra studi professionali, vecchi registratori analogici e computer. Il tutto è stato alla fine mixato solo a fine 2016: quattro anni di lavoro per un singolo disco — roba da pazzi. Non vi basta? Beh, considerate allora che in 'Blind Hammer...' ci sono la bellezza di dodici musicisti che si alternano tra chitarre elettriche, organi wurlitzer, synth, lap-steel guitar, loop station digitali, sassofoni e violini. Una vera e propria orchestra post-rock, capace di generare un viaggio strumentale lungo un’ora, sempre in bilico tra un kraut-rock oscuro e ossessivo (“Holchi the Earless”) e la desolante ampiezza dello spazio più distante (“From Urschleim”). Psichedelici nello stile e nei suoni — analogici, settantiani, ruvidi quanto basta — ma contemporanei nel songwriting (sempre libero da vincoli di stile, concentrato più sui suoni, gli strumenti, le emozioni), i Things Falling Apart non hanno paura di annoiare nemmeno quando confezionano un gioiellino di oltre 25 minuti come “The Hawkline Monster”, dove delay e tremoli si inseguono sopra un tappeto di piatti e string analogici, che si contrae e si espande in continuazione. Vi sfido ad ascoltarlo senza farvi trasportare in una session deviata dei migliori Can, tra droghe allucinogene e improvvisazioni circolari. (Stefano Torregrossa)

domenica 9 aprile 2017

Netra - Ingrats

#PER CHI AMA: Black Sperimentale, Burzum, Ulver, Massive Attack
Netra potrebbe essere il nome di un locale in cui trovare parecchie sale dove assaporare aromi esotici ed ascoltare musiche diverse. In "Gimme a Break" potrete immaginare ad esempio, di trovarvi nella lounge room del locale, con un tizio che suona il pianoforte ed un altro che abbraccia il contrabbasso, in una scena sicuramente tinta di bianco e nero. In quella sala, chi è più attento, potrà scorgere nascosta una scala che porta dritta nei meandri dell'inferno, dove la sulfurea colonna sonora è rappresentata dal black ferale di "Everything's Fine". Qui lo screaming straziante del mastermind viene smorzato da un break avanguardista anche se il ronzio delle chitarre prosegue come se uno sciame di vespe ci stesse investendo. Se vi piace la musica di Bristol di Massive Attack e Portishead, ecco che la terza sala è quella che fa per voi, per soffermarvi ad ascoltare il trip hop caldo ed onirico di "Underneath my Words, The Ruins of Yours". L'elettro dub sullo stile degli Ulver di 'Perdition City' (anche a livello vocale) lo potete ritrovare in "Live With it", una traccia imprevedibile e dall'arrembante finale EBM. Imprevedibilità, ecco il segreto del mastermind transalpino. Ci mancava la jazz room, eccomi accontentato con "Don't Keep me Waiting" dove la follia dei fiati, da li a poco, si scontrerà con ritmiche infernali nere impestate, in un tripudio di suoni apocalittici che sanciscono l'insanità di quest'imperdibile lavoro. Continuiamo a girovagare nel locale Netra ed ecco palesarsi la darkwave di "A Genuinely Benevolent Man" che nelle sue circonvoluzioni soniche, trova modo di fondere la musica trance col black in stile Burzum, con le urla disumane del factotum francese (ora trasferitosi in Norvegia) sorrette dall'elettronica. Un po' di noise a complicare il tutto di certo non guasta e anzi cade a fagiolo con la lisergica "Paris or Me". "Could’ve, Should’ve, Would’ve" vale una menzione quasi esclusivamente per il titolo azzeccatissimo, perché per quanto riguarda la musica, la sensazione è quella di stare ad ascoltare i Depeche Mode. Sconcertati? Io no anzi, a dir poco esaltato. Le danze si chiudono col blues jazz black funambolico e sperimentale di "Jusqu’au-boutiste", ultimo esempio di lucida follia che esalta la performance incredibile di questo fantastico artista. 'Ingrats' è un album a dir poco spettacolare, chi ha orecchie da intendere... (Francesco Scarci)

(Hypnotic Dirge Records - 2017)
Voto: 90

Autisti (Louis Jucker & Emilie Zoé) - Autisti

#PER CHI AMA: Psych/Indie Rock, Dinosaur Jr. 
Autisti (Louis Jucker & Emilie Zoé) è un progetto indie ambizioso, che profuma di low-fi a partire già dalla copertina. Ambizioso perché nella visione del suo autore, lo svizzero Louis Jucker, il prodotto finale consisterà in 5 LPs o CDs per un totale di 40 canzoni, che confluiranno in un cofanetto-booklet intitolato 'L’Altro Mondo, Music with Lovers and Friends'. Quello che ci accingiamo ad ascoltare oggi è il volume 2 di 5 dal titolo omonimo, in uscita questo mese di aprile. Con Jucker, voce e chitarra, sono della partita Emilie Zoé (voce, chitarra e organo) e Steven Doutaz (batteria). Il disco si apre con "The Dower", qualche secondo di attesa con le corde delle chitarre che prendono tempo prima della botta di batteria e quando il brano parte, le voci di Louis ed Emilie sono armonizzate e catchy al punto giusto. Un bel pezzo per farsi conoscere e conquistare immediatamente l’ascoltatore. A seguire "Peaches for Planes", costruita su un riff di chitarra sferragliante e di matrice blues con una voce filtrata che potrebbe ricordare Dan Auerbach dei Black Keys. Il disco si spinge verso sonorità ipnotiche con "No Anchor" ove i ritmi si fanno più lenti e un organo fa da tappeto alle voci, mentre proseguendo nell’ascolto la musica s'incupisce ancor di più con la successiva "L’Altro Mondo", caratterizzata da un finale decisamente noise. La velocità e lo spirito punk contraddistinguono "You Felons!", meno di tre minuti intensi e rabbiosi. "Trundle Beds", più riflessiva nella sua esecuzione, ha nel suo impianto una voce telefonica e le interferenze tipiche di una comunicazione difficile. Al sottoscritto ricorda molto lo stile di Jim White ma potrebbe anche essere una personale suggestione. Il disco giunge al termine con l’ottava traccia dal titolo "Down to the Minimum" dove il trio satura per bene gli ampli facendo staccare dalla parete il poster dei Dinosaur Jr. Il progetto Autisti, restando nell’ambito dell’alternative rock si dimostra vario nelle sue espressioni e di sicuro rispecchia la curiosità negli ascolti del suo autore. Sarà interessante poter valutare anche le prossime uscite. Ancora una volta, dalla vicina Svizzera ci giungono produzioni decisamente meritevoli di ascolto. (Massimiliano Paganini)

(Hummus Records/Czar of Revelations/SK Records - 2017)
Voto: 75

sabato 8 aprile 2017

Zerozonic - S/t

#PER CHI AMA: Thrash/Groove, Pantera, Machine Head, Konkhra
Con curiosità mi appresto ad ascoltare questo lavoro omonimo dei Zerozonic, band norvegese di Kristiansand, località “balneare” scandinava, una sorta di Rimini del Mare del Nord. La cover, invero un po’ banale, ben lascia intendere di cosa si andrà a trattare. Non appena il primo riff dell'opener track “It Never Dies” scatena le sue furie, capiamo subito che abbiamo sotto mano un prodotto altamente professionale. Chitarre taglienti, batteria aggressiva e digitale al punto giusto, insomma una registrazione a dir poco convincente e del tutto ben calibrata per accentuare il songwriting pesante e violento della band, che vanta peraltro tra le sue file di membri dei Blood Red Throne. Le coordinate stilistiche sulle quali la band norvegese si muove sono il classico groove – post thrash che tanto aveva scaldato i cuori dei metallers a metà anni '90. Anche nella seconda traccia infatti si susseguono ritmi cadenzati a sfuriate (sempre comunque bilanciate e razionali) come impazzava nell’era post 'Far Beyond Driven'. Avete presente “Weed out the Week” dei Konkhra? Ebbene questo lavoro dei Zerozonic non stenterei a collocarlo proprio sul filone di quell’album datato 1997. Il tempo sembra essersi in effetti fermato a 20 anni fa. Anche quando le tracce si fanno meno granitiche e assumono atmosfere cangianti ("Pushed Away"), il mood resta inesorabilmente nineties, tra Pantera, Machine Head ed epigoni vari. Nella power ballad “I Walk Away” i richiami al Phil Anselmo di “Cemetery Gates” appaiono più che evidenti. I nostri ce la mettono davvero tutta per regalarci preziosismi e tenere viva l’attenzione. Accurato ad esempio risulta il lavoro vocale, con growl e harsh in alternanza, clean vocals ben eseguite e comunque mai stucchevoli. La precedenza nella composizione sembra tuttavia attribuibile al gran lavoro chitarristico, riff al fulmicotone s'intersecano a preziosi assoli (demodè ma che emozioneranno i palati più nostalgici) e ad arpeggi da antologia del metal. La band appare protesa consapevolmente verso strutture talora progressive ("Instrumentalis") nelle quali si palesa tutta la preparazione tecnica del gruppo scandinavo. In sostanza dobbiamo riconoscere ai nostri il gran merito di aver confezionato un album davvero serio, competente e certosino. Nulla sembra lasciato al caso e on stage la band promette di essere coinvolgente e di sicuro apprezzabile. L’unico feedback di miglioramento che mi sentirei di poter dare è di cercare un po’ di uscire dal “bello calibrato” e di osare talvolta ad attingere al sublime, sporcarsi le mani con un po' di sana “ignoranza” o “follia”. Evitare cioè di essere bravi a tutti i costi per poter cosi uscire allo scoperto con tratti più artistici ed intimi. Per il resto l’album risulta nella sua totalità ineccepibile, gradevole e sicuramente consigliabile sia agli amanti del power-groove-thrash, sia a chi ama la tecnica e il songwriting elaborato. Se fosse uscito nel 1997 saremmo sicuramente qui ad osannarlo. (Zekimmortal)

(Self - 2017)
Voto: 70

venerdì 7 aprile 2017

When Icarus Falls - Resilience

#PER CHI AMA: Post Metal, Cult of Luna, Russian Circle
Sapete vero che cos'è la resilienza? Se ne parla molto spesso oggigiorno, ossia della capacità di un individuo di affrontare e superare un evento traumatico o un periodo di difficoltà. Non so se gli svizzeri When Icarus Falls si siano trovati di fronte a tale situazione, ma hanno pensato bene di chiamare il loro secondo full length proprio 'Resilience'. I nostri si sono presi tre anni per rilasciare un nuovo lavoro, da quel precedente EP 'Circle', recensito proprio dal sottoscritto su queste stesse pagine. L'attesa come sempre ci ha ripagati, in quanto le cinque tracce contenute in questo cd, rilasciato dall'onnipresente Czar of Bullets, ci consegnano una band in stato di grazia, capace di confezionare delle gemme di post rock/post metal che definirei crepuscolare, intellettuale, raffinato ed impegnato. Premessa iniziale: mixing e mastering dell'album sono ad opera di Magnus Lindberg (Cult of Luna), non certo un pivello qualunque. Si parte con l'ipnotico sound di "One Last Stand" con le sue linee di chitarra circolari, dilatate, soffuse, ariose, timide e compassate, che per oltre dieci minuti vi coccoleranno come in una ninna nanna, in cui si percepisce però una tensione profonda, in grado di creare un evidente stato di ansia. Non sono sufficienti i vocalizzi rassicuranti (in parlato) del frontman a placare quello stato di angoscia che lentamente sale in gola, qualcosa di ammorbante è pronto ad esplodere e lo fa ad un minuto e mezzo dalla conclusione con un ingrossamento ritmico da paura, in un brano che ha modo di chiamare in causa Cult of Luna, Russian Circle, Tool e The Ocean. Il sereno torna ad apparire in cielo dopo la tempesta con la più breve "Into the Storm" che, nonostante un titolo poco rassicurante, garantisce oltre quattro minuti di melodie ben più distese, evocanti questa volta i God is an Astronaut, anche se il finale si fa più rabbioso, almeno per ciò che concerne il versante vocale. State forse storcendo il naso perché su due pezzi ho citato mille influenze? Lasciate perdete, ce ne fossero di band di questo calibro che condensano gli insegnamenti dei maestri in modo cosi completo e coinvolgente. Con "The Lighthouse" si inizia anche a spingere a tavoletta per quanto riguarda la pesantezza dei suoni, con un riffing che da etereo e guidato dalle tastiere, inizia a farsi più grosso, cosi come i vocalizzi, ben più rabbiosi (ed in growl), anche se sul finale c'è un cambio repentino sia a livello ritmico che vocale, a rendere la song ancor più intrigante. Con la title track si torna a percorrere le atmosfere contemplative del post rock, in una lunga traccia completamente strumentale. Rimane ancora "A Blue Light", gli ultimi 12 minuti di un disco griffato, in grado di regalare ottime melodie, lunghi squarci malinconici, suoni dilatati che s'intervallano con scorribande più nevrotiche e accelerazioni improvvise, vocals strazianti e disperate che lasciano percepire tutta la tristezza insita in un album che non deve per alcun motivo passare inosservato. Peccato solo che per il tour europeo non passino dall'Italia. (Francesco Scarci)

(Czar of Bullets - 2017)
Voto: 80

https://www.facebook.com/whenicarusfalls/

giovedì 6 aprile 2017

Soundscapism Inc. - Desolate Angels

#PER CHI AMA: Progressive Post Rock, Anathema, Mogway
Devo ammettere che al primo ascolto, il secondo album dei Soundscapism Inc., datato 2016 e distribuito via Ethereal Sound Works, non mi aveva colpito granché. Questo è il progetto solista di Bruno A., musicista eclettico tuttofare, ottimo chitarrista, programmatore e cantante (aiutato peraltro in tre brani dalla voce del fidato Flavio Silva). Riascoltando più volte il lavoro, soprattutto in un religioso stato di isolamento che mi ha permesso di addentrarmi per benino tra le note eteree e le rarefatte atmosfere espresse in questo 'Desolate Angels', mi sono accorto alla fine, con la complicità di una benevola sensazione, di aver scoperto una piccola perla musicale, ricercata e assai intrigante. Difficile collocare il musicista lusitano (membro anche dei Vertigo Steps) in un qualsivoglia filone musicale, ma se proprio lo si deve fare, a mio avviso l'unico matrimonio artistico lo vedrei con la neo-psichedelia, arricchita da forme di visionario post rock, cariche di colori boreali e memore di sconfinati e rilassati paesaggi sonori, cari a certa musica a cavallo tra il folk e l'ambient. Se "Zwinchenspiel I" sembra una b-side dimenticata in un cassetto da The Edge, chitarrista degli U2, in epoca 'The Unforgettable Fire', nella title track lo spettro dei Coldplay si affaccia mostrando fortunatamente il suo volto meno zuccherino e decisamente più intriso di allucinazione e intensità, avvicinandosi sempre più all'evoluzione progressiva e cinematografica tipica dei Mogway, per una decina di minuti all'insegna della libera fluttuazione nel cielo. La musica dei Soundscapism Inc. è un viaggio alla scoperta del proprio io, come lo stesso autore afferma e ditemi se non si può essere toccati nell'anima dall'intro di "Man in the Glass", che trasuda il sound degli inglesi Bark Psychosis da tutti i pori, per poi penetrare gli angoli più gradevoli dei migliori Mercury Rev, mantenendo sempre una costante originale interpretazione del verbo psichedelico. Centratissima poi la copertina di "floydiana" memoria, coerente con la proposta dell'artista portoghese, ora piazzatosi in pianta stabile a Berlino. Tutto è suonato con eccellenza e la qualità sonora è ben ricercata e particolare, non necessariamente in linea con le produzioni stucchevoli del post rock di oggi, forse più realista e vicina ai mitici Godspeed You! Black Emperor, sempre e comunque carica di personalità. "February North" è incredibilmente vicina alle ballate acustiche che mozzano il fiato negli ultimi capolavori degli Anathema, ricreando quella stessa angelica atmosfera, ovviamente rivista nel mondo alchemico dei Soundscapism Inc.. Senza dimenticare tocchi eterei di cosmica redenzione e granelli di sabbia lunare rubata dal repertorio filmico del grande Vangelis con intrinseca ma velata ammirazione per caldi suoni ambient e vintage trafitti dalla moderna psichedelia e dal folk. Senza dubbio una scoperta assai interessante, stimolante e vera, un originale meltin pot che vi aprirà le porte dell'anima, un artista che vive di luce propria e in tempi come questi non è poco. Massima ammirazione per i Soundscapism Inc., massimo rispetto per questo notevole 'Desolate Angels'. (Bob Stoner)

(Ethereal Sound Works - 2017)
Voto: 80

https://soundscapisminc.bandcamp.com/releases

Lost In Kiev - Nuit Noire

#PER CHI AMA: Post Rock Strumentale, God is an Astronaut
Secondo lavoro sulla lunga distanza per questo quartetto parigino. 'Nuit Noire' si presenta come una sorta di concept, un “inno alla notte”. Una serie di odi alle notti piene di sogni, ma anche di solitudine, che spesso finiscono per diventare esperienze mistiche. Le radici del suono dei Lost In Kiev affondano in profondità nel terreno del post rock strumentale più classico, richiamando di volta in volta nomi altisonanti quali Mogwai o God is an Astronaut. Le nove tracce si susseguono immergendosi l’una nell’altra senza soluzione di continuità, confondendo i limiti e giocando con i sensi e le percezioni, ora offuscandoli ora amplificandoli. Dei quattro francesi piace in particolare la gamma espressiva che riescono a coprire, dosando sapientemente le alternanze tra “troppo pieno” e “troppo vuoto”, preferendo invece giocare sui mezzi toni, sui crescendo e le atmosfere fortemente cinematografiche. Non stupirebbe, infatti, se questo lavoro fosse una colonna sonora, per via della sua forza suggestiva non indifferente. Quasi interamente strumentale, a parte qualche punteggiatura vocale, per lo più sussurrata, il disco si dipana lungo brani fortemente percussivi dalla struttura circolare ("Narcosis" e "Insomnia") mettendo in bella mostra synth atmosferici e un basso martellante che richiamano sfumature wave, alternati ad altri in cui le chitarre si fanno più presenti e distorte ("Nuit Noire" e "Resilence") e si fa ancora più interessante quando si sporca di glitch e di elettronica scura e pastosa ("Somnipathy" e "Emersion"). 'Nuit Noire' si rivela in definitiva un disco che, per quanto possa essere considerato “convenzionale”, spicca per una cura del suono, delle atmosfere e dei dettagli davvero ragguardevole, riuscendo alla fine ad elevarsi al di sopra della media delle produzioni a lui assimilabili. Ottimo lavoro, confermato peraltro da un sold out raggiunto in pochissime settimane. (Mauro Catena)

mercoledì 5 aprile 2017

Abominable Putridity - The Anomalies of Artificial Origin

BACK IN TIME:
#PER CHI AMA: Brutal Death, Cannibal Corpse
Per combinazione mi viene in mente quel super coglione di Lester Bangs che nel sessantanove si (re)inventa la definizione "heavy metal" per raccontare una esibizione live dei Blue öyster cult. Esotermia, sudore, energia, reggiseni. Il rock trasmuta l'anticonformismo in emanazione. Si isola, in un certo senso. Vent'anni dopo salta fuori il death metal, la frontiera estrema dell'heavy metal. E poi il brutal death metal, la frontiera estrema del death metal, e infine lo slam brutal death metal, la frontiera estrema del brutal death. Letto questo articolo decidete di aprire youtube e mettete su il secondo album delle Abominevoli putrescenze. Slam metal moscovita, dalla Russia. Non è strano: lì c'è una fervida scena underground, pare. Il disco dura meno di ventisei minuti. Il tempo di una cacata senza fretta. Controllato la carta igienica? Ok, andiamo. Per tutto il tempo basso-chitarra-batteria faranno la stessa cosa all'unisono, cioè TRRRRRRRRR. Come il vostro deretano, del resto. Poi c'è la voce. Un ibrido tra un maiale che viene sgozzato, un tombino rigurgitante merda liquefatta, il rumore del modem ISDN che vi si è rotto nel novantanove e, naturalmente, il vostro deretano. Mettete su "Remnants of the Torture" e ascoltatela seguendo il testo disponibile su darklyrics.com. Vi divertirete, ve lo assicuro. (Alberto Calorosi)

(Brutal Bands - 2012/ Unique Leader Records - 2015)
Voto: 60

https://abominableputridity.bandcamp.com/album/the-anomalies-of-artificial-origin

Genus Ordinis Dei - The Middle

#PER CHI AMA: Symph/Melo Death, Insomnium
Ho avuto modo di conoscere questa band poche settimane fa in occasione di un'intervista radiofonica. I Genus Ordinis Dei (G.O.D., sarà un caso?) sono una band di Crema assai determinata nel raggiungere l'obiettivo grosso. Partiti come tutte le band con la normale gavetta, i nostri hanno rilasciato un full length d'esordio ed un EP: è proprio con il primo album che i quattro lombardi hanno attirato su di sé le attenzioni dell'etichetta danese Mighty Music, che ha ristampato quel debutto, 'The Middle', che oggi andiamo ad analizzare. Premesso che stiamo parlando di musica uscita originariamente nel 2013 e che è stata concepita ancor prima, quello che appare chiaro fin dai primi minuti è che nelle nostre mani abbiamo un buon esempio di death metal, carico di groove e di melodie ammiccanti. Lo si capisce immediatamente con "The Fall", pezzo iper ritmato che mette in luce una tendenza a sfruttare ottime linee di tastiera che smorzano il growling demoniaco di Nick K (sicuramente da migliorare), cambi di tempo a più riprese e anche una certa vena malinconica in quei delicati tocchi di keys che evocano un che dei finlandesi Insomnium. Un bel giro di tastiere apre la terza "Word of God" in una traccia che sembra essere uscita da uno qualsiasi degli album degli Eternal Tears of Sorrow, anche se rispetto a quest'altra band finnica, l'act italico mantiene più preponderante la componente death metal in un rifferama compatto ed affilato, che fa largo uso di blast beat ma anche di devianze metalcore. Tuttavia le orchestrazioni lentamente guadagnano spazio, e vanno ad ammorbidire la prestanza ritmica dell'ensemble; un bell'assolo, tipicamente heavy metal, chiude una traccia onesta e piacevole. Dicevamo delle crescenti orchestrazioni: in "My Crusade" diventano quasi predominanti, sebbene gli strali chitarristici e quella voce che continua a non convincermi appieno. Apprezzabili comunque i cambi di tempo, che rendono la traccia assai varia, ove ancora una volta, si rivela notevole la sezione solistica. Un intermezzo sinfonico e si arriva a "Path to Salvation", altra song in cui si apprezza il connubio vincente tra riff graffianti, montagne di groove ed enormi quantitativi di tastiere sinfoniche. Non si può certo gridare al miracolo, non c'è proprio aria di novità nelle tracce di questo comunque onorevole album, anche se c'è sempre da tener presente il periodo in cui è stato scritto, perciò concedo l'attenuante di un lavoro concepito ormai un lustro fa. Ancora una manciata di tracce da ascoltare: l'epica "Cadence of War", che ripercorre (o forse anticipa) quanto fatto dagli Ex Deo con il loro tributo all'antica Roma, è una traccia che vede un cantato assai differente a metà brano e sfodera un largo break di tastiere nella coda conclusiva. "Ghostwolf" ha un suono bello potente e tirato, un mix tra Swedish sound, deathcore e death finlandese, in cui a lasciarmi però perplesso sono quei vocalizzi più urlati. Con "Battlefield Gardener" si picchia davvero pesante e sembra discostarsi da quanto suonato fin qui, in quanto le tastiere svolgono un ruolo ben più marginale, mentre le due asce affilano non poco le loro chitarre e si sfidano in una rincorsa che mischia feralità, tecnica, dinamica e ricerca melodica. Si giunge cosi alla conclusiva "Roots and Idols of Cement" e i G.O.D. hanno ancora modo di divertirsi con un riffing instabile e pesante, interrotto solo da quegli ottimi synth e orchestrazioni, vero valore aggiunto per quest'interessante band che ha sicuramente ampi margini di miglioramento, soprattutto dopo aver sostenuto un lungo tour europeo in compagnia dei Lacuna Coil. Per ora ci accontentiamo di questo 'The Middle' in attesa di ascoltare il nuovo lavoro, a quanto pare schedulato proprio per quest'anno. Se ne sentiranno delle belle. (Francesco Scarci)

(Mighty Music/Target - 2016)
Voto: 70